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AKASO

Una Sociedad no nutrida de la cultura está destinada al fracaso. (Gustavo Monroy)

José David Cano

14-07-2010

26 obras de tamaño mural se exhiben en Sonora.

Hace un par de semanas, en el Museo de Arte de Sonora (Musas), fue inaugurada la muestra Akaso: un proyecto único, que reúne 26 obras tamaño "mural" (aunque no sean murales) del mismo número de artistas. Siguiendo la estela de los cuadros de Osaka, de 1970, esta nueva aventura de- muestra que la pintura está viva, se mueve, y que hay una generación vigorosa.

Los pintores Antonio Luquín, Gustavo Monroy y Roberto Parodi no pertenecen estrictamente a la misma generación, aunque sí convergen en el mismo interés: el amor que le profesan a la pintura. En este diálogo, al que se suma -de vez en vez- el coleccionista Sergio Autrey, el pilar del proyecto Akaso, los pintores hablan y desmenuzan la realidad de la pintura, su realidad.

Muertes y resurrecciones

Antonio Luquín: A mí me parece que actualmente varios de los espacios propios de la pintura han sido copados por otras disciplinas. Yo lamento que se hayan entregado tantos espacios (así porque sí) al arte conceptual o a los instalacionistas... Hay mucho fraude entre ellos; artistas que no cambian o evolucionan, que lo único que han hecho es seguir modas. A mí me parece que sí hay como un deslumbramiento generalizado sobre estas tendencias.

Gustavo Monroy: Yo no estoy muy con- vencido de eso. Yo diría que usamos lenguajes diversos, nada más. Son otros lenguajes, herramientas diferentes.

AL: Pero estarás de acuerdo que hay gente más ruidosa que otra.

Roberto Parodi: A mí me parece que los jóvenes, es decir las nuevas generaciones de pintores, sí sufren, sí ven truncados sus caminos, se ven confusos, porque efectivamente hay un apoyo excesivo a las otras disciplinas. Y no digo que esté mal, qué bueno que así sea. Lo que sí ha afectado, me parece, es que han intervenido en contra, a veces, de los espacios de la pintura. Cierto: es algo que se está recuperando poco a poco, y, afortunadamente, ha sido algo breve.

GM: Eso lo entiendo. Pero pongamos como ejemplo este proyecto Akaso: en él lo que se refleja es esta gran diversidad. El lenguaje es la pintura. Son discursos individuales, y esta diversidad finalmente es la que lo enriquece.

AL: Lo que digo es que muchos museos se han quedado estancados ahí, y eso me parece triste. Para mí, varios de ellos (claro, no todos) son gente que no trabaja mucho; más bien, hace mucho ruido, andan trompeteando todo lo que hacen, mientras que nosotros estamos trabajando. Creo que a nosotros sí nos cuesta más trabajo publicitar lo que hacemos, ya que estamos metidos de lleno en la pintura.

RP: Lo que sí es cierto es que este arte, que en algún momento fue alternativo, parece que se ha vuelto el oficial. Me refiero a que ahora son los grandes museos los que lo acogen (ya sea a la instalación, performance, videoarte). Pareciera ser que el arte oficial, por decirlo de alguna manera, elige lo que está de moda, y lo que está de moda hoy es la instalación y todo eso, así que se ha vuelto oficial... Entonces, la pintura en este momento es más alternativa... O sea, los pintores somos más alternativos, o somos la contraparte. Eso me gusta. Porque siempre en la historia del arte el artista ha tenido algo de rebeldía; si no es así, se muere.

GM: Sí, finalmente lo más tradicional acaba siendo lo más contestatario.

RP: Porque, además, la tradición hay que entenderla como evolutiva. La tradición no es algo fijo; es algo que evoluciona. Dentro de eso, la pintura sigue ahí, milenaria...

GM: Mucho se ha hablado de las muertes y resurrecciones de la pintura. Concretamente, con la situación que guarda en México, a mí me parece una discusión un tanto bizantina. Si existe un país con una tradición pictórica viva, fuerte, constante, de mucha certeza, ése es México. Entonces, discutir sobre pintura, aquí, es discutir sobre algo muy vivo y muy cierto, con un arraigo tremendo. Yo no creo que se pueda hablar de la pintura en México como algo que en algún momento decayó o de épocas en las que no hubo pintura. Si nos ponemos a ver la historia de la pintura en México, ésta será una de las más vivas que podemos encontrar. La pintura, entonces, está más viva que nunca.

AL: Es cierto; creo que la tradición pictórica en México es milenaria; además, tenemos una habilidad de expresar en imágenes lo que soñamos.

GM: Así, creo que la pintura se encuentra actualmente muy sana. Está en un momento de mucha salud. La muestra son las 26 obras que conforman el proyecto Akaso. Hablamos de 26 creadores que pasan hoy por momentos personales muy importantes: somos pintores que pasamos ya los 50 años, ya tenemos todos una carrera, una trayectoria, muchas certezas y, en algunos casos, varios reconocimientos.

El coleccionismo

Sergio Autrey: Las instituciones culturales deben de asumir mejor su carácter, y reflexionar para qué están constituidas. Lo que trato de decir es que muchas de ellas, que son del Estado (al menos la mayor parte), deben de tener una política de adquisición de obra que no sea sólo ocasional, sino constante, de año con año; o sea, no se vale no adquirir obra. Es un patrimonio que debe de estar en algún lugar, para que se conserve, se muestre, se estudie, se divulgue y se exponga al público. Cierto: detrás de lo que digo hay una crítica, pero es sana, en el buen sentido de la palabra, ya que, ¿dónde está la adquisición hoy en día de las obras?, ¿dónde se exhiben las obras?, ¿dónde se mantiene la historia colectiva de obras que deben estar a la vista y accesibles al público?

RP: Ahora, Sergio, también es cierto que en muchos de los grandes museos del mundo, y en la mayoría de las colecciones particulares, tanto de Europa o de Estados Unidos, esto ha corrido a cargo de iniciativas privadas; o sea, el gobierno sí ha trabajado en ello, pero lo ha hecho, digamos, colateralmente, con una parte administrativa que muchas veces no tiene las cualidades de un coleccionista.

GM: Un asunto que mencionaba Sergio en la rueda de prensa fue justamente en relación con eso. Mira, en la historia del coleccionismo mexicano tenemos resultados muy concretos; pongo unos ejemplos: el Museo Carrillo Gil es el resultado de un coleccionista; también lo es el Dolores Olmedo o el Museo Soumaya; o ahí está Francisco Toledo, otro gran coleccionista, pilar para edificar museos en Oaxaca... Todos ellos están ahí, y cumplen ahora la función de las instituciones culturales. Así que, más bien, son éstas las que tienen una deuda con el devenir de la actividad cultural en México. Si las instituciones están rezagadas, o no están cumpliendo efectivamente con su función, allá ellas. El tiempo decidirá su destino. Lo que quiero decir es que esto debería hacernos ver que es posible seguir nuestros caminos... que podemos seguir activos en esto.

AL: Sin embargo, Gustavo, teniendo tanta fuerza los pintores de nuestra generación (y la de adelante o la que viene detrás nuestro), yo sí pienso que debe- ría haber más apoyo institucional; deberían estar creando nuevas colecciones, nuevos salvamentos; en cambio, le están dejando la iniciativa sólo al sector privado, y desafortunadamente éste tampoco ha hecho gran cosa (a excepción de algunos que mencionábamos). Creo que el proyecto Akaso sí puede ser el inicio de algo... espero que pueda ser el impul- so para que otros, ya sea sector privado o el institucional, pongan más atención a ello.

Tendencias, modas, vanguardias

RP: Por ejemplo, el movimiento muralista se genera por iniciativa del gobierno (en la época de la posrevolución) y luego el coleccionismo aborda el interés por mucha obra de caballete de esos pintores. Eso es innegable. Ahora, eso puede suceder actualmente. Me refiero a que este proyecto de Akaso señala muchas cosas; entre otras, la gran diversidad de estilos. Por ejemplo, y vuelvo con los muralistas: su unión radicaba en que tenían ideas muy afines, con ideologías similares. Pintaban a los próceres. Pero, plásticamente, eran muy diferentes: las soluciones de Siqueiros con las de Rivera no tienen nada que ver. Hoy en día vivimos más esa diversidad, esa pluralidad en la pintura...

AL: Hoy, lo único que nos une es que somos pintores. Ésa es la unidad.

RP: La diversidad también nos une. Porque vivimos en un mundo plural. Que también es propio de la posmodernidad.

GM: Si uno se pone a analizarlo, toda esta generación que participa en Akaso es gente que tiene 50, 52, 54 años; somos pintores que en los setenta tuvo su etapa de formación; en los ochenta, su etapa de participación; y, en los noventa, la etapa de consolidación. Por eso insisto en ello: hay tal diversidad, ya que somos pintores que venimos (y vivimos) ya una etapa de consolidación, con lenguajes muy ciertos, muy claros... Aunque, también es cierto, con búsquedas personales: seguimos experimentando, seguimos jugando con el lenguaje pictórico. Lo que digo es que es una generación que viene de tres etapas: formativa, participativa, afirmativa (o de consolidación). Entonces, hoy por hoy, existen lenguajes como existen pintores; hay tal cantidad de lenguajes como hay tal cantidad de creadores. Estamos en una época muy diversa, rica, mixta, vasta.

SA: Pero, al final, el buen arte no sólo habla diferentes lenguajes, sino también le habla a diferentes tiempos. ¿Qué quiero decir? Que varias de las obras de Akaso estarán, dentro de algunos años, exhibiéndose a un público que todavía no nace... y, aun así, habrá una relación del creador con esa persona que a lo mejor aún no conocemos. Eso es el buen arte: es la repercusión que provoca en la gente, en el público.

GM: Es muy bello lo que dices, Sergio, pues cuando se hizo el proyecto de Osaka creo que todos nosotros éramos adolescentes, algunos incluso niños. Hoy, uno se planta frente a esos cuadros y varios de ellos tienen mucho todavía qué decir... Así que hay un público que aún no nace, y quiero pensar que nuestra obra... que estos cuadros, los de Akaso, en un futuro, les van a decir muchas cosas, les van a transmitir sensaciones, les van a provocar sentimientos.

AL: Sí. Cuántas veces ha ido uno a visitar los murales de Orozco a Guadalajara, por poner un ejemplo; ¡fueron pintados cuando nuestros padres eran jóvenes!

GM: ¡¿Y cuántas cosas todavía te dicen esos murales?! El hombre en llamas, por ejemplo, está hoy más vivo que cuando se pintó.

Nuevos públicos

AL: Lo que yo sí creo es que sí ha habido un cambio generacional de público; he visto que las nuevas generaciones se acercan con más libertad, con más curiosidad al arte plástico; sobre todo los jóvenes. Están cansados de las certezas de la televisión; saben que entrar a una exposición les va a dar mucho a cambio; por lo menos, buenas preguntas. En provincia los jóvenes son por ejemplo muy agradecidos: tuve una exposición en Celaya y Querétaro, y la gente me agradecía por haberles llevado la exposición. Me decía: a nosotros nos gusta más una exposición que estar pegados ante la tele. Eso tiene que ver con el alma de la gente: es sensible, está cansada de certezas, engaños, publicidad e imágenes baratas, reglas...

GM: Pero eso es porque el arte puede seguir aportando, sigue creando vínculos, genera un cambio. Lo otro, es decir una sociedad que no se nutre del arte, que no se nutre de la cultura, es una sociedad que está destinada al fracaso, a perder, a no existir como sociedad...

AL: Yo no sé si el arte pueda cambiar a la gente, sobre todo a los jóvenes; lo que sí sé es que los va a reafirmar. Por ejemplo, yo no me hubiera dedicado a la pintura, con la intensidad con que lo he hecho, si no hubiera visto los murales de Orozco en Guadalajara. Eso dejó una impronta, en mi vida, indeleble. "Yo quiero hacer algo parecido... ¡aunque sea un 10 por ciento de lo que hizo!", me decía. Y eso me reafirmó, me confirmó, como público y como posibilidad de pintor.

RP: Ahora, estarán de acuerdo conmigo, en que todo te cambia: el narcotráfico, la violencia, o los crímenes, la televisión; y mucho de esto es negativamente... Pero el arte también puede cambiar negativamente a las personas. Hay pintura que es mala, o que es mal arte. Es algo que en vez de desenredar, como decía Van Gogh, te enreda más. Entonces, la buena pintura está en los grandes museos. El arte contemporáneo, el que se está haciendo ahora, se va a quedar entre nosotros si tiene algo que decir, algo que realmente valga la pena, algo que sea digno de ser nombrado.

AL: Creo que la palabra es confrontar. Las grandes obras de arte son contrincantes. No se rinden a la primera. Tienes que entrarle varias veces. Es un hecho: un niño que entra, que se enfrenta a la obra de arte, ya no es el mismo cuando sale.

GM: Tiene razón Antonio. Cuando yo tenía como ocho o nueve años me gané unos boletos para ir a ver El Cascanueces. Mi madre me llevó, y fue tal el impacto de la obra, tal la emoción y lo que sentí en el estómago, que el niño aquel que entró ya no fue el niño que salió. Fue un rayo directo en la cabeza.

RP: Esperemos que esto sea lo que pase a la gente que vea nuestra obra, a los jóvenes que vean la exposición Akaso. Porque, para mí, la pintura sigue siendo una maravilla. Es cierto: quizás ahora puedo hacer más cosas, un poco más que antes; también soy consciente que uno pierde la niñez y juventud cuando pinta desde joven, desde niño; es irrecuperable esa etapa. Porque no es fácil. La pintura surge de una necesidad interior. Y, así, uno ya no es el mismo, pero, al mismo tiempo, uno ya es otro... otro que, quizás, ha aprendido cosas distintas. Después de todo, el verdadero pintor sigue trabajando, sigue pintando, porque es una veta inagotable.

GM: Es cierto. Para mí la pintura es como el lenguaje: primero, aprendes a hablar; luego, a desarrollarlo y a usar al lenguaje como herramienta de comunicación. Bueno, la pintura es igual: es un lenguaje que aprendes, que vas afinando, vas aprendiendo a usar... es tu herramienta de expresión.

AL: Pintas en primer lugar porque crees que tienes aptitudes y sensibilidad para ello. Y, en segundo, porque determinadas inquietudes sobre el ser humano, la belleza, el fluir del tiempo, encuentran su cauce de expresión a través del pincel y la tela.

RP: Recuerdo que Leonardo da Vinci tenía una frase muy fuerte, pero cierta: quien no aprecia la vida, no la merece. Y tenía razón. Si estás frente a un cuadro, y no lo aprecias, no mereces el cuadro, y punto. Pero de eso se trata: es la experiencia de confrontar la obra de arte. Así será siempre.

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